Biografía
CV BIO
Martín Legón
(Buenos Aires, 1978)
Estudió Letras en la en la Universidad de Buenos Aires. Formó parte de la Beca Kuitca – UTDT 2010/2011. Obtuvo dos veces la Beca Nacional a la Creación otorgada por el Fondo Nacional de las Artes de su país (2009,2017). Ganador del Premio para artistas emergentes, LXVI Salón Nacional de Rosario en 2012 y del Certamen para Artistas Internacionales de La Fábrica, Madrid, en 2006. Finalista de la primera edición del Premio Azcuy. Obtuvo la Beca Colección Oxenford en 2016. Fue residente en Mana Contemporary NJ, (2016) y residente BAR Projects, Barcelona (2018). Su obra forma parte del acervo del CA2M, Móstoles, España; del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires; del Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson de San Juan; MoMA Library de NY; y la colección del Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (Macro), Argentina.
Entre sus muestras individuales cabe mencionar entre otras, su participación en la XXX Bienal de San Pablo “La Inminencia de las Poéticas” curada por Luis Perez Oramas; La vuelta al mundo… (2014) desarrollada por Inés Katzenstein y Sofía Hernández Chong Cuy entre el Departamento de Arte de la Universidad Torcuato Di Tella y la Colección Patricia Phelps de Cisneros. Destacan también su participación en Plataforma Arco Argentina con curaduría de Sonia Becce y Mariano Mayer, Madrid (2017); Árboles profundamente artificiales (2021), Nuevos pensamientos imbéciles (2017), Las Fuerzas Productivas (2015), sus tres muestras individuales en la Galería Barro; su participación en el ciclo de Performance Algunas Instrucciones para desaparecer en el Teatro Sarmiento /Complejo Teatral de Buenos Aires (2017); Exogamia (2017) proyecto conjunto entre MALBA-MuMin con curaduría de Lucrecia Palacios; Principios para un Manifiesto Especular (2013) individual en el Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (MACRO), La Fortaleza de la soledad (2008), Así pasa la gloria del mundo, Cabeza de Goliat (2008, 2011, 2013 respectivamente) sus tres muestras individuales en la galería Alberto Sendrós de la ciudad de Buenos Aires; y sus proyectos, Quatrienal Shanzhai y La Seducción de los Inocentes, ambos del 2018, pensados en específico para el Museo Municipal de Bellas Artes Genaro Pérez de la Provincia de Córdoba y la galería Angels de Barcelona, España, respectivamente.
Participó colectivamente en numerosas exposiciones nacionales e internacionales: Museo Nacional de Bellas Artes MNBA, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires MAMBA Fundación PROA, MALBA, MACBA, en la Universidad Nacional General Sarmiento UNGS, Centro de Expresiones Contemporáneas de Rosario, Goethe Institut BA, el Parque de la Memoria de la Comisión de Monumentos a las Víctimas del Estado, en Buenos Aires, la muestra 100 años de Arte Argentino, Museo Castagnino; Argentina; Palais de Tokyo, La Maisón Rouge y Galerie Honore Visconti, en Paris; La Fábrica y Espacio OTR Madrid, España; la galería A Gentil Carioca, en Río de Janeiro, Galería Luis Adelantado en Valencia, Baró-Cruz Galería y Polinesia Galería ambas en Sao Paulo, el espacio Talent Preview en White Box Gallery de Nueva York, el proyecto Appetite para Frieze Art Fair en Londres, entre muchas otras.
Co-Dirigió Crudo, pequeña editorial dedicada al cruce de poesía y artes visuales, y las revistas Andrógina, No Retornable, Rrose Sélavy. Como investigador ha curado más de diez muestras colectivas en distintas instituciones. En estos últimos años se publicaron sus ensayos La naturaleza del artificio (Big Sur zine, 2012), El Test del Hombre bajo la lluvia (Arta Ediciones, 2012), La piel en Suárez como inmanencia (Museo Malba, 2019); Principios para un Manifiesto Especular (en colaboración con el Museo Castagnino+macro de Rosario, 2013), Apuntes a la Colección Globus (Big Sur Books, 2016), Maleza (2016) poema visual publicado por la editorial Iván Rosado de Rosario, y Correspondencia con Bruce Nauman (Publicaciones Unidad Básica, Córdoba) en 2022.
Vive y trabaja en Buenos Aires
Visión del arte
1. Elija una obra que lo/la represente, descríbala haciendo referencia a su formato y materialidad, su relación con el tiempo y el espacio, su estilo y su temática; detalle su proceso de producción
“Experimentación y reevaluación de las estrategias en torno al Test del Hombre bajo la lluvia” (2009-2012).
El “Test del hombre bajo la lluvia” es un ejercicio psicotécnico creado específicamente para evaluar diversos rasgos personales y aplicado con frecuencia en procesos de selección laboral. Consiste simplemente en hacerle dibujar al entrevistado una persona debajo de la lluvia, en lápiz sobre una hoja de papel blanca.
El Test permite obtener -en teoría- la semblanza de la persona en condiciones poco agradables, donde la lluvia funciona como componente perturbador. Frente al agregado de la lluvia como situación de desamparo, el individuo no puede sostener su apariencia habitual y debe recurrir a ciertas defensas que se mantienen ocultas, exponiendo sus posibles patrones de comportamiento en contextos desfavorables.
Partiendo de estos preceptos, la evaluación del dibujo se divide en cuatro grupos claramente delimitados: análisis de recursos expresivos, análisis de contenido, potenciales conflictos que
puedan ser descifrables en la persona y mecanismos de defensa que oculte el potencial candidato.
Los 315 dibujos presentes en la obra son tests originales de un mismo proceso de selección laboral. Anónimos, cada uno representa a una persona. Siguiendo los viables modos de lectura –psicológico, estético y laboral- fueron evaluados por profesionales en esas disciplinas: un especialista en psiquiatría, un curador de arte contemporáneo y un profesional de los recursos humanos, bajo la consigna “elija el caso que le resulte particularmente llamativo para su reevaluación y especifique por qué”.
2. En líneas generales, ¿cuál sería la forma en que sugeriría leer su obra?
Sólo existe un cuerpo de obra. Y ese cuerpo es el que uno pone en crisis. Todo corpus de obra debe ser analizado como un cuerpo en la sociedad capitalista moderna. "El cuerpo de David Beckham es mercancía, es modelo a seguir, es sinónimo de incentivación al consumo, de espectáculo". Para poner en conflicto esa premisa, pieno un cuerpo de obra como un cuerpo desmembrado, analizable como el cuerpo en las muñecas de Hans Bellmer.
3. En relación a su obra y su posición en el campo artístico nacional e internacional, ¿en qué tradición se reconoce? ¿Cuáles serían sus referentes contemporáneos? ¿Qué artistas le interesan de las generaciones anteriores y posteriores?
En la línea mental que une a Victorica con Mike Kelley.
4. Pensando en los últimos diez o quince años elija obras o muestras a su criterio fuertemente significativas de otros artistas de Argentina y explique por qué.
Hubo muestras que tuve muy presentes en mis comienzos, algunas las recuerdo con cariño y otras porque hubo algo en esa experiencia que se grabo para siempre y solía aparecer ante cualquier conversación, a colación de cualquier cosa. La obra de Juan Souto, un artista marplatense poco conocido por nuestros contemporáneos que se llamó “El santo” (o algo así). Colocó a un costado de la ruta un santuario, con un santo negro con su cara, y lo dejo ahí un año, cuando volvió, le habían prendido velas, dejado cartas, orado... Otra que recordaba con fuerza: cuando pinto de color rosa (sin permiso, se entiende) el ala de un avión militar que está emplazado como escultura un lugar de la costa que desconozco. Me atraían en su momento las obras que resignifican otras obras. Me gusta armar mapas enormes de resignificaciones. También recuerdo la primera muestra individual de Adrián Villar Rojas en Ruth Benzacar, creo que fue del 2006 (después vendría “Lo que el fuego me trajo” pero es otra historia). Decía, de su primer muestra fueron importantes para mí dos obras en particular; en una borra todos los diálogos de un cómic y los cambia por una misma frase: todos los personajes diciendo todo el tiempo “creo que ya no te amo”. Esa obra me fascina y la sigo considerando una de sus obras importantes. La otra, la serie de pinturas de dinosaurios que mando a pintar. Supo ser importante lo significativo es el gesto. Y como se sabe los gestos difícilmente pueden repetirse sin quedar en evidencia. Lamothe sacando la vereda en Rosa Chancho, Daniela Luna y Bola de Lodo en el CCEBA, Cepillarse bien los dientes de Nicanor Araoz en Appetitte, la del remolino de Bianchi en Belleza y Felicidad, y la genial Jardines de Mayo en el edificio de La Prensa. Puedo recordar otras que me marcaron, pero que en el fondo, marcaron a una generación entera y no son mojones particulares, probablemente la primer muestra de Berni en el MNBA y la que le siguió en el Malba; así como la de De la Vega, sean realmente significativas… como esas bandas que incitan a un chico a formar su propia banda. Son esas experiencias que no se borran (ahora mientras escribo recuerdo unos grabados de Otto Dix en el MNBA…)
5. ¿Cuáles son los agrupamientos o tendencias que percibe en el arte argentino de los últimos diez o quince años a partir de elementos comunes?
Lo mejor es agrupar por afinidades los pequeños mundos interiores, que están a la vista para quien se proponga rastrearlos.
