Leandro Mussi

“Que te recuerda ese pez” abarca una serie de pinturas, dibujos y esculturas cerámicas, y sonido en donde la exploración del espacio y el color son protagonistas. En la serie, cuya realización me acompaña hasta el día de hoy, la imagen se arma y se compone con recursos de construcción y pictóricos que a lo largo de toda la experimentación y realización de la serie se va haciendo más compleja. La composición, la imagen, la técnica y todo este conjunto del lenguaje pictórico emprenden una lucha por ocupar un lugar protagónico dentro del espacio cuadro. El rastro del pincel, un “dripping” o chorreado generado y controlado, una anatomía no hiperrealista, un plano de color abstracto que marca un espacio infinito e indeterminado, son parte de la obra como un elemento más agregado al resto de la composición, que en la serie de los peces no son ni pretenden ser protagónicos de la imagen, ya que en tal serie lo literal, lo simbólico, metonímico y demás significados que hoy puedan darse a la imagen superan la expresión misma de la técnica.

En la serie “Que te recuerda ese pez” tomo como punto de partida el título de una poesía que forma parte de un capítulo del libro de Umberto Eco “El péndulo de Foucault”. Qué te recuerda ese pez es una metáfora de una obra abierta, donde un punto se encuentra en estado potencial y genera múltiples sentidos. Hay algo que pudo haber sido, que puede ser o que podrá ser. Utilizo así la figuración, que se aúna con lo planimétrico del color del fondo volviéndola abstracción, “creando de este modo un espacio de infinitas posibilidades para los personajes”. En la serie de los retratos La idea rectora surge originalmente de la representación de rostros de personas, vinculadas directa o indirectamente conmigo, que en algún momento de sus vidas transitaron por sucesos traumáticos y que hoy después de esos hechos, en algunas se despertaron secuelas, pero que todas ellos siguen o siguieron construyendo sus vidas en base a la búsqueda esperanzadora de la sensibilidad, el amor, la solidaridad y la libertad. Todos me llevaron a la reflexión de que sus rostros siendo únicos, también representaban a otros no conocidos y así fui descubriendo en los demás rostros ese secreto que hace de cada uno de ellos la búsqueda universal de ese esperanzador sentido de la vida. Es por eso que el titulo de la obra y los nombres de los retratados no son más que un sonido para la imagen, los rostros no se parecen la mayoría de las veces a quienes realmente son y ese es otro de los desafíos, poder encontrar una unidad en todos ellos que no hable solo de unidad en la ejecución técnica sino también un reflejo unánime de todas las imágenes y el espectador. El retrato hoy debe estar ligado a la pretensión de universalidad de la obra, porque quién está representado en la tela es él, pero también es otros; es aquí entonces en donde La Pintura como recurso expresivo vuelve a ganar un espacio que se creyó perdido en algún tiempo. Hablo de lo no explorado, de lo revelador, lo nuevo. Hablo de la experimentación en esta búsqueda de una nueva imagen pictórica a partir de algo tradicional, constante y repetido en toda la historia del arte como lo es El Retrato y así poder además realizar mi defensa de la pintura como recurso plástico y expresivo y continuar su camino histórico. En la serie “estaciones, paisajes y otras influencias” destaco mi interacción directa con lo naturalsin dejar de lado mi relación con mundos fantásticos. Es la materia y la forma en estados de disolución lo que sigue el camino de mi lenguaje particular. Ha sido el entorno que me influencia el que ha gestado en mí esta nueva imagen que se libera a través de la materia y la técnica. El lenguaje pictórico emprende una lucha por ocupar un lugar protagónico dentro del espacio cuadro. La materia se aleja del pincel para explorar su cualidad extrema en el soporte, dando como resultado la obra que les presento.

No creo reconocerme en ninguna tradición, o al menos no puedo yo definirme dentro de una, creo que eso se lo dejaría a los demás (artistas o críticos), claro que si me reconozco como un artista contemporáneo siendo defensor de una expresión personal e intima: Hay algo que tengo que decir y conforme estoy de decirlo de este modo, con estas herramientas. La tradición se forjará si lo que “digo” es escuchado, de ahí la perfección y el empeño por un lenguaje y una estética que llegue al otro de forma abierta y clara. Por lo pronto sigo en la búsqueda. Y claro está que artistas de varias tradiciones y generaciones me alimentaron en esto directa o indirectamente. Entre ellos: Tulio de Sagastizabal, Ricardo Oliva, Nahuel Vecino, Liliana Porter, Orlando Rojas, Elizabeth Peyton. Giovanna Aguirre. Músicos como Leandro Fresco, Juana Molina, Lisandro Aristimuño, Héctor Buitrago.

Son varias las muestras para mi criterio fuertemente significativas, pero hay dos entre ellas que llenaron mi interés fuertemente: La retrospectiva de León Ferrari En el Centro Cultural Recoleta por su Basta y variada producción y al mismo tiempo un reconocimiento en esa variedad de su manejo novedoso de los recursos estéticos, por su compromiso al decir, por su simpleza en ese lenguaje, porque reconocí en él otro modo de arte conceptual que me interesa, cuando durante mucho tiempo invalidé el conceptualismo. Simplemente por embellecer lo obvio (por obvio que suene, tarea muchas veces difícil para muchos artistas) y por traer a la luz en su obra su sentir. Otra de las muestras fue la serie de esculturas de Juan Carlos Distéfano: “Kinderspelen” donde la tradición , el clacisismo,lo contemporáneo de la técnica y la imagen esta fusionada de tal modo que se sentí en mí el logro de poder descubrirla y verla tal vez como Distéfano quería que se vea. Una obra contemporánea con identidad reflejando el sentido único que el artista reconoce en su arte, en su hacer y en sus caminos de búsquedas estéticas. Ver esa obra para mi fue encontrarle el verdadero sentido al arte y la escultura contemporánea, donde el arte y la imagen contemporánea no es solo para las nuevas generaciones o las vanguardias.