Andrea Celeste Reymundo

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Biografía

Nací el 25 de mayo de 1987 en Ushuaia (Tierra del Fuego, Argentina).
Desde chica hago equitación, escribo, me intereso por el collage y realizo grabaciones de voz que me inspiran en las diferentes áreas artísticas en las que me muevo.

A los 16 años comencé actuación, y cuando tenía 17 años me mudé a Capital Federal para estudiar Antropología Social en la UBA, y continuar perfeccionando mi formación actoral. Además, en la capital comencé la danza butoh, el yoga ashtanga, el sistema consciente para la técnica del movimiento de Fedora Aberastury y el chamanismo.

La confluencia de todas estas prácticas, principalmente guiadas por el sistema de fedora, me conectaron con un impulso plástico que nacía tenue en mí y se fortalecía a medida que me contactaba más con lo invisible de la vida. Este impulso se fusionó con mi constante recolección de hojas secas, las verdaderas "vedettes" de mi trabajo.

No tengo formación académica en lo plástico, aunque sí voy aprendiendo algunas cosas básicas de personas que saben de eso para poder profundizar ciertas intenciones dentro de esta área.

Mi camino en el arte esta completamente impregnado por mi interés y motivo místico espiritual de existir, en relación con una intensa búsqueda por la integración y sanación por medio de la elevación de conciencia. Y para eso parto del hombre como pregunta y del "arte de la escucha y la acción natural".

Como actriz me formé en la Escuela de Agusto Fernandez, con Julio Chávez y teatro experimental antropológico. Trabajé como asistente de dirección en dos obras, en distintos cortos y en la obra “Quiebre” (www.quiebre.com).

Como bailarina de danza butoh estudié con diversos maestros nacionales e internacionales. Y participé de varios espectáculos, uno dirigido por Katsura Kan (japón) y presentado en Rosario, Córdoba y Capital Federal ("Curious Fish").

A nivel plástico, es la primera vez que decido difundir mi trabajo en un espacio virtual. Y si bien no participé de concursos (sobre todo porque al no haber estudiado formalmente no me senti "a la altura" para hacerlo), realicé dos muestras:

En el 2009, hice una muestra que se expuso en la Hostería Kaikén de Tierra del Fuego durante todo el año. Se llama Humana abismos del cuerpo y consiste en cuatro cuadros donde se conjugan cuatro humanos con cuatro abismos mediante el uso de poesías, dibujos, semillas, ramas, hojas secas, acrílico, témpera y estampado.

En el 2007, hice una muestra itinerante que se llama Vacuo Polaroid y que consiste en un soporte casero similar al de los porta postales que conjuga fotos, escritos y dibujos propios. Estuvo en varios lugares de Ushuaia y recorrió diferentes centros culturales de Capital Federal.

Arte o Muerte (2010)

20 x 16,5 cm

Vacuo Polaroid (2007)

Instalación.

Fertilidad (2009)

18 x 24 cm

Amor (2009)

18 x 24 cm

Enfermedad (2009)

24 x 18 cm

Miedo (2009)

24 x 18 cm

A veces me voy muy lejos sin moverme de lugar (2009)

15,5 x 21 cm

H (2008)

17,5 x 12,5 cm

Juntos (2008)

21 x 15,5 cm

Un corazón que irradia el mundo (2008)

21 x 15,5 cm

Vivo en Capital (2008)

15,5 x 20,5 cm

Soy Posibilidad (2008)

20,5 x 15,5 cm

Visión del arte

1. Elija una obra que lo/la represente, descríbala haciendo referencia a su formato y materialidad, su relación con el tiempo y el espacio, su estilo y su temática; detalle su proceso de producción

Voy a elegir la obra “Arte o Muerte”. Se trata de un dibujo hecho en una hoja de papel de mi cuaderno de viaje. Empecé escribiendo un día en la hoja la frase “Arte o Muerte”, que había leído en un lugar. Otro día, recolecté la flor que es la cabeza del dibujo, que está con los brazos en la cintura, y la dejé en esa hoja del cuaderno. Al tiempo la pegué y empecé a observar qué podía ser esa hoja. Un día, le hice la cara y no avancé más. Cada tanto la pispeaba y observaba qué me decía. Una noche, lo retomé y empecé a descubrir lo que se escondía detrás de esa cara. Luego le dibujé con lápiz la cara que observa, tratando de vincularla con la frase. Empecé a investigar con todas las hojas recolectadas que había en mi cuaderno de viaje cómo podía hacer de esa marca de lápiz un ser. Me zambullí en un viaje “collagético”, al que le sumé pintura, lapicera y lápices de colores. En la creación, hay algunos elementos que fui teniendo en cuenta: cómo está la columna del hombrecito que mira, con qué células está formado, qué le pasa cuando escucha al otro que le dice la frase, qué pasa en ese espacio de encuentro. Usé colores para representar lo que sucede en dicho espacio al encontrarse ambos, al mezclarse sus auras. Al tiro y sin darme cuenta, sin planearlo tampoco, la obra había llegado a su fin. Y ahí, le pasé barniz acrílico para protegerla.

2. En líneas generales, ¿cuál sería la forma en que sugeriría leer su obra?

Mi obra parte de la observación atenta, que se aleja del análisis para poder atrapar los estímulos que lleguen. La llamaría “observación permeable”, que me permite partir desde lo que los impulsos creadores traen para articular la reacción de esos estímulos en mí. Desde esta observación abierta, intento un arte simple, que ambiciona abordar algunos fragmentos de la complejidad humana desde un modo sencillo y directo. Y aunque esto parezca mucho, en verdad mi arte no busca grandes cosas, por eso a veces puede pecar de ingenuo. Me gusta pensar que esa ingenuidad es un modo de entregarse abiertamente al espectador, para que sin miedo permita que le entre. Esto se puede dar desde una lectura superficial, que se quede solo en el aspecto ingenuo, en la mirada de la obra como un garabato, o puede ir un poco más allá, dejándose permeabilizar por la obra, o sea, ver lo que esconde detrás. Me parece que mi arte juega con más de un plano de interpretación, buscando adentrarse en las profundidades pero sin decirse “soy profunda”. Si se tiene en cuenta esto, creo que la mejor manera de leer mi obra es sin expectativas de nada, sin esperar recibir algo definible. Entonces, sugiero que mi obra se lea desde una observación permeable, o sea, que sencillamente se lea.

3. En relación a su obra y su posición en el campo artístico nacional e internacional, ¿en qué tradición se reconoce? ¿Cuáles serían sus referentes contemporáneos? ¿Qué artistas le interesan de las generaciones anteriores y posteriores?

Si bien hace un tiempo que me formo principalmente en la actuación, me considero una artista multifacética, no porque me lo haya propuesto, sino porque los intereses y las posibilidades de expresión van tomando diferentes rumbos asociados a los devenires de mi búsqueda personal. Y porque mi mayor interés es el arte en sí. En verdad, nunca me gustaron mucho las etiquetas o tradiciones, sencillamente me gusta reconocerme en la tradición del arte o la interpretación artística.
Como para mí el humano es una pregunta, y mi obra está dirigida por este interrogante existencial, mis referentes contemporáneos ante todo son los humanos, estén o no sumergidos en el ambiente artístico.
Si esto redujo mi mirada específicamente al arte, la verdad no tengo mucha cátedra al respecto. Podría decir que tengo muchos referentes que van cambiando o tienen sus momentos y que, más que lo que estos referentes hagan, pasa por cómo lo hacen, con qué intensidad y entrega. Lo que puedo asegurar es que me marcó mucho la artista plástica española Eva Armisen; creo que encontrar su obra fue determinante para comenzar a valorar mis dibujos y seguir investigando en ellos. También tengo varios referentes filosóficos, entre los que se destacan Deleuze, Fedora Aberastury, André Gide, yoguis y maestros orientales varios, y los niños.