Gerardo Echevarría

La obra que me representa es “El puñal y el corazón”, del año 1996 y tiene de todo. Está pintada sobre una tela estampada, tiene tipografía, parches de cubiertas de auto pegadas, colores al limite del mal gusto, un marco de cuchillos, un personaje con antifaz, que es mi mamá dentro de una corona de espinas, velos de una imagen de estampita religiosa y una casa muy humilde pero que tiene unos brillitos, ahora también pinto arquitectura mas contemporánea pero no brilla por ningún lado. A esta pintura la encuentro importante y muy bella. Fué la primera de varias otras que hice diseccionar en alguna clínica. De esta pintura en adelante, hice más o menos lo mismo, me doy cuenta, eligiendo elementos y descartando otros, me eduqué para hacer más profesional mi mirada, pero nunca volví a hacer un trabajo como este… porque esta pintura esta hecha por alguien que tiene toda la vida por delante… de todo, sin complejos.

En mis trabajos no hay contenidos nuevos o viejos, en toda la pintura sucede lo mismo, pero el valor es que de algún punto siempre nace una nueva forma de abordarlos, después de siglos de pinturas, hay muchas que nadie hizo, es por eso que me apuro y trato de hacer algunas de esas pinturas que todavía faltan.
El espectador que se para frente a una obra mía o de cualquier otro artista, tiene su vida, demasiado en la mira, como para sugerirle como debería leerla, es intercederlo innecesariamente… que disfrute de la contemplación. Yo creo y realizo. Estamos en distintos planos.
Asumir que lo que hacemos son artes visuales, es básico y es bueno, considero que no hay peor obra que aquella que requiere del artista ahí parado como un decodificador, explicando procedimientos y cualidades embrolladas para poder leerlas, la mayoría de las obras del mundo, están destinadas a permanecer ahí solas, la mayor parte del tiempo.
No estoy en contra de las evoluciones comunicativas de estos tiempos, pero los catálogos no son la obra, son tan solo un complemento.

Lo de reconocerme en alguna tradición creo que seria trabajo para algún teórico. (Para después estar en desacuerdo, probablemente).
Un músico dijo que los artistas, todos, somos decoradores de esta gran obra, que es la vida. Así que entonces, un estilizado boxeador puede conmover a un compositor de clavicordio y éste a mi, mientras con volumen bajo miro el Tour de France.
Mis artistas influyentes en estos últimos 5 dias son: Fedor Emelianenko, Amadeo Azar, Paul Thomas Anderson, John Nadador, Daniel Richter, Gerhard Richter, Antony Hagerty, Chuck Liddel, Proyecto Fauna, Lucrecia Martel, Bruno Stagno, Peter Doig, Jorg Immendorff, Snoop Doog, Francis Mallman, Wanderley Silva, Laura Owens, Neo Rauch, Inés Drangosch y Karlheinz Stockhausen.

Una de las muestras que en su momento mas me conmovió, fue “Pictórica” (creo que así se llamaba), la hicieron acá en Mar del Plata la primer edición de becarios de Kuitca, estaban Burgos, Bazan, Besaytaorube, Esnoz, Hasper, Jitrik, Trigo y varios mas que ahora no recuerdo. Julio Galán en PROA, mejor que la de Kieffer en PROA. Daniel Joglar en Dabbah Torrejon; los chilenos Caja Negra y Confesionario (la peor obra que hice en mi vida) en MOTP; Marcelo Pombo en Ruth Benzacar creo que en el 98 o 99; Omar Schiliro en una de las ultimas muestras de la Fundación Banco Patricios; la última de Gorriarena en vida acá en Villa Victori; Mondongo en Maman, aunque habían colgado demasiada obra; varias en la galería de Flor Braga Menéndez (Salamanco, Max Gómez Canle, Juan Tessi); Eduardo Capilla en el Castagnino de Mar del Plata; Diana Aisenberg con sus pinturas de frutas en Villa Victoria y artistas que exponen en cualquier lado pero que siempre me quedo parado viendo lo que hacen, Londaimbere por ejemplo.
También existe la cuestión de ver muestras por publicaciones y ahora vía Internet, nos hace más informados y menos objetivos, muchas muestras que me resultaron regulares al verlas en vivo cambié de opinión… y viceversa.

Pueden ser interminables. Mas que agrupamientos son observaciones de lo que todos hemos visto en el correr de estos años, con resultados más o menos felices.
Existen también unos pocos artistas muy referentes o que deberían serlo. El elemento común sería la singularidad de su obra.
Por ejemplo:
Los artistas del Rojas. Belleza y Felicidad. Los artistas del Rojas que después se quisieron despegar de la estética del Rojas y se arrepintieron de haber cargado su obra de chirimbolos. Los emprendimientos y espacios de artistas. Los becarios de Kuitca. Los emprendimientos de artistas que después no duraban ni un año, solo para presentar carpeta al barrio joven de Arteba. Pablo Siquier. La transformación gradual del Barrio Joven de Arteba en montajes a lo Belleza y Felicidad. Los alumnos del taller de Bazan. Jorge Macchi. Los talleres de Barracas. La atención momentánea y pasajera a la ola de artistas del interior, tucumanos, rosarinos, marplatenses, mendocinos, etc. Los hijitos de Jorge Macchi. (Sin que él sea responsable de esto). Las clínicas de arte. Los innumerables artistas que llegan apenas a un 6 o 7 y que algún crítico o curador amigo los postula insistentemente como si fueran 10 puntos. Los dibujantes en A4 resma Ledesma. La llegada definitiva de los videoartistas. Los salones multidisciplinarios. Los videastas que hacen acciones con cero gracia y que vemos gratis, parecidas y con mas gracia en el youtube. Los envíos según el criterio del curador de turno (artistas Glusberg, artistas Victoria Noorthoorn, etc) (sin opinión calificativa digo esto). Los salones multidisciplinarios que se ven obligados a premiar a algún nuevo medio por más que sea una obrita floja. El arte político. Los estudio abierto; Gorriarena (que se murió y todavía nadie se dio cuenta que era el mejor… ¿que pasa que todavía no esta en las mejores colecciones?). Eloisa Cartonera. Los artistas que se adueñaron de algún yeite, alguna pelotita, línea negra, algo encontrado en alguna ferretería, empapelado, pintura rara, pieles, fórmicas varias, algún crayon, chapita, lucecita, efectito de edición, etc. Las mujeres de la cárcel de Eseiza. Pablo Suárez. Luis Benedit. Los artistas que constantemente rinden homenaje a lo viejo, al pasado, a la infancia, a lo que veían en su infancia, a los juguetitos y a las vitrinas. Los artistas que en el catalogo ponen… publicaciones: y hacen una larguisima y muy aburrida lista de medios gráficos y catálogos personales donde alguna vez apareció su nombre escrito y que le verdad, a nadie le importa. Los artistas maqueta. Los artistas que alguna vez les vio la obra Fabián Lebenglik y ni le entendió si lo que le decía era bueno o era malo. Daniel Juglar. Agustín Inchausti; Los artistas que le hicieron la concesión al arte contemporáneo, de hacer su obra, directamente sobre la pared. Las muestras de género: de mujeres, de judíos, de gays, etc. Los artistas que hacen obra que se desmaterializa y después hacen una foto con copia de 2 X 3 metros;Los mass-mediatizados. La solución del loop; Los que con alguna acción sencilla les dan un nuevo sentido a los objetos. Los que “invitan a reflexionar sobre...”. Los que construyen su obra a partir de “accidentes”. Los artistas que cuentan algo de ellos mismos, de lo que les gusta y como hicieron el trabajo cuando hablan de su propia obra. Alfredo Londaimbere. Santiago García Saenz. Los artistas que hacen mas presencia en inauguraciones que obra. Los instalacionistas que hacen obra menos original que una vidriera. Los artistas que escriben ambiciosos proyectos de investigación, viajes, muchas fotos documentando el proceso y que la obra final termina siendo una fotocopia, explicando en el reverso como fue su investigación, sus viajes y su documentación. Los artistas genéricos; Los artistas derivativos. Los artistas desencantados con el arte.