Agustín Pecchia

CRISTAL- 7: En esta obra, lo mismo que en todas las que integran la serie “red”, el proceso de elaboración y síntesis deviene de la escenografía, del espacio tridimensional graficado por geometría descriptiva; vale decir, en mi profesión, los diseños parten siempre del trabajo con los tres ejes cartesianos x, y, z. Así pues, podría decirse que todo diseño puede delimitarse en un cubo que, en perspectiva axonométrica da por resultado un gráfico cuyo perímetro dibuja un hexágono regular que a su vez, al descomponerlo en sus diagonales genera 6 triángulos equiláteros. El cubo es asimismo la representación tridimensional de un pixel en extrusión mientras que, el triángulo equilátero es la forma geométrica bidimensional primaria y de mayor estabilidad estructural.
Basándome en estos parámetros en conjunto con la estructura molecular del cristal de agua y nieve, utilicé manguera pvc cristal 7x9 –utilizada en construcción arquitectónica para medición de niveles-, en tramos de 7cm unidas triangularmente mediante cordones elásticos blancos que a su vez proporcionan un gran efecto visual al trabajar el montaje con cámara negra y luz ultravioleta. Por otra parte me pareció interesante el juego producido entre la fragmentación aleatoria de la manguera y la fragmentación de los datos de fabricación impresos en ella como metáfora del modo en que la tecnología digital almacena la información lo mismo que la naturaleza elástica que permite la compresión o expansión de la obra, es decir, la alteración de sus proporciones dimensionales que da lugar a la interacción dinámica entre obra y espectador: la obra es para tocar.
La relación espacio-tiempo se vincula al diseño de montaje, la iluminación, el entorno físico concreto –sitio específico- y la interacción del espectador. La elección de la técnica, tanto como los materiales deviene tanto de parámetros lúdicos y escenográficos: plazos de realización, resistencia, peso, dinamismo, espontaneidad, practicidad, etc. como de aspectos negativos de los materiales tradicionales que comencé a notar en mi trabajo como montajista, sobre todo la fragilidad y peso de las obras; de aquí que todas mis obras estén diseñadas para poder ser literalmente estampadas contra una pared y salir ilesas, sumada a una gran compresión que permite la utilización de elásticos como elemento conector.

Libre de preconceptos; me interesa que el espectador carezca de la posibilidad de leer un texto curatorial ya que por lo general tienden a teorizar demasiado la obra utilizando un lenguaje innecesariamente complejo generando una barrera perceptual para el espectador no artista. Cuando diseño y produzco mi obra pienso en los niños, creo que ellos son los mejores jueces, si algo no les gusta, sencillamente dicen: “esto es una porquería”, lo mismo a la inversa.

Me considero artista contemporáneo, investigo diariamente para estar siempre al tanto de las nuevas tecnologías y tendencias arquitectónicas, de diseño y artísticas nacionales e internacionales. Mis referentes son entre otros: Ned Kahn, Theo Jansen, Erwin Redl, Dirk Vollenbroich, James Turrell, Jesús R. Soto, Rafael Lozano Hemmer y Pablo Valbuena, los arquitectos Ieoh Ming Pei, Santiago Calatrava, Acconci Studio, Coop Himmelblau, los diseñadores Shigeo Fukuda, FOC y los escenógrafos Ralph Koltai y Ming Cho Lee. De generaciones anteriores me fascina la obra de Leonardo Da Vinci, Piet Mondrian y Marcel Duchamp, los dramaturgos Alfred Jarry, Arthur Miller, Roberto Arlt, Agustín Cusani y Antonin Artaud, los escenógrafos Sebastiano Serlio, Adolphe Appia y Oskar Schlemer y, los arquitectos Buckminster Fuller y Ludwig Mies Van der Rohe.

Prefiero no hablar de muestras ni obras en particular, sinceramente no recuerdo haber concurrido a ninguna muestra que me llamase poderosamente la atención, ni tampoco la posibilidad de concurrir a tantas, pero sí haber visto obras de artistas que llamaron mi atención.
Entre los ya consagrados, la obra de Pablo Siquier, León Ferrari y Fabiana Barreda (arteBA 2006 y 2007), y de Marta Minujin en el exterior del Malba (muñecos de hierro a gran escala).
Aunque prefiero hablar de los poco conocidos, de aquellos que aun no tienen renombre y que, a mi juicio pueden llegar a marcar una línea interesante en el campo del arte contemporáneo:
Mariana Mattar: (Mendoza) me parece sumamente interesante su juego de paralelismos entre texto literario, elementos de escritura y los textos implícitos del lenguaje digital que utilizamos a diario y que traen aparejados conceptos semióticos muy profundos.
Stella Fernández: (Mendoza) sus planteos en performance art, de investigación constante respecto de a los aspectos que movilizan al hombre y que lo vinculan con su instinto animal que le es inmanente.
Wustavo Quiroga: (Mendoza) si bien no se considera artista, es a mi entender un gran ejemplo en gestión cultural –director de ED Contemporáneo-, con una gran preocupación por la valoración de artistas que quedaron en el olvido colectivo de dicha ciudad y una ardua labor por fomentar las artes y el diseño emergente.
Santiago Bou Grasso: (Bariloche) su capacidad creativa e imaginativa, precisión y exigencia en sus trabajos de animación e ilustración que plantean una renovación y calidad poco frecuente en este campo a nivel latinoamericano.
Bárbara Drausal: (Bariloche) su juego fresco y versátil de fusión entre técnicas de tecnologías opuestas, la acuarela y la fotografía digital que producen un estilo marcadamente personal y distintivo.
Victoria Arroyo: (Bariloche) de ella me parece muy interesante su labor cromático-espacial que desarrolló en su serie de muebles y objetos intervenidos, mientras que su producción actual me resulta muy reiterativa y de alguna manera plantea –a mi juicio- un retroceso en su producción artística.
Alejandro Taliano: (Bs. As.) su arduo trabajo de descomposición y reescritura fragmentada basada en lineamientos del diseño gráfico, el arte povera, pop art y una impronta definitivamente personal que delimitan aspectos renovadores en la concepción espacial y los límites de la obra.
Carmen Rocher: (Bs. As.) me parece interesante la mezcla entre lo digital y lo manual, sus trabajos gráficos con grafito de abstracción orgánica de línea marcadamente femenina.
Camilo Guinot: (Bs. As.) su juego espacial entre luz y sombra, fragilidad y volumen en pesos reducidos, un trabajo de precisión que realmente es admirable.

Por una parte una suerte de estancamiento, como si las nuevas ideas fuesen cosa del pasado y realmente “ya estuviese todo hecho”. Por otra una suerte de snobismo, estancamiento y repetición de fórmulas ajenas, cosas que funcionaron y aun funcionan y simplemente por ello se las reitera y, por otra parte una línea muy variada y polifacética de artistas emergentes (no necesariamente jóvenes) que aportan otra mirada al arte, una visión crítica y renovadora quizá como producto de la procedencia de campos diversos como el cine, teatro, escenografía, literatura, diseño gráfico, ilustración, gestión, etc. que posiblemente a la larga lleguen a marcar una línea o tendencia definida, muy visible sobre todo en el interior del país.